Diario Vasco
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‘Black Panther’, Marvel se reinventa con su película más reivindicativa
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Asier Manrique | hace 15 horas| 0

Black PantherBLACK PANTHER

Título original: Black Panther

Año: 2018

Duración: 134 minutos

País: Estados Unidos

DirecciónRyan Coogler

GuionJoe Robert Cole, Ryan Coogler (Cómic: Jack Kirby, Stan Lee)

MúsicaLudwig Göransson

FotografíaRachel Morrison

RepartoChadwick Boseman, Lupita Nyong’o, Michael B. Jordan, Andy Serkis,Angela Bassett, Forest Whitaker, Danai Gurira, Winston Duke, Daniel Kaluuya,Florence Kasumba, Letitia Wright, Stan Lee, Sterling K. Brown, Martin Freeman,Phylicia Rashad, Sydelle Noel y John Kani

ProductoraMarvel Studios / Walt Disney Pictures

Género: Acción / Fantástico / Aventuras

‘Black Panther’ cuenta la historia de T’Challa quien, después de los acontecimientos de Capitán América: Civil War, vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T’Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo. (FilmAffinity)

Tenía ganas de que se estrenara ‘Black Panther’, porque de las dudas iniciales que creó cuando se presentó la Fase 3 del Universo Marvel, ha pasado a ser una de las películas que más han unido a crítica y público en alabanzas hacia ella. No es para menos, porque ‘Black Panther’ introduce un componente más serio y reivindicativo a un universo que nunca supo abordar temas de calado.

Black Panther

La principal virtud de ‘Black Panther’ está en llevar a primer plano problemas tan importantes como el racismo, el papel de los países “pobres”, la cooperación entre países, etc. Es de aplaudir también que Marvel no haya afrontado con temor la realización de ‘Black Panther’, porque podían haberse quedado en la típica película cómica, de chistecitos y bromitas constantes, pero ese cupo lo cumplió con creces Thor. Ragnarok para una temporada larga.

Al contrario que ocurre con DC, que suele dotar de una pátina de realidad a sus películas, Marvel sucede en el mundo real, pero siempre te deja con la sensación de estar ante una fantasía. Con ‘Black Panther’ tenemos, por fin, la sensación de estar viendo una película que perfectamente podría situarse en el mundo real. Las problemáticas que plantean son reales y están próximas a temas acuciantes que vivimos hoy en día.

Black Panther

Pero no solo en el retrato del racismo o la cooperación está la base de ‘Black Panther’, la temática política se completa con la importancia que esta película adquiere para la población afroamericana en particular, y la negra en general. Hasta ahora las películas de superhéroes estaban protagonizadas por hombres, blancos, heterosexuales y americanos. No es habitual encontrar personajes negros en papeles protagonistas, pero lo mismo que pasa con las mujeres y, ya ni cuento, con personajes LGTB. Wonder Woman y, pronto, ‘Captain Marvel’ introducen a protagonistas femeninas, y con ‘Black Panther’ se cubre el cupo para la población negra. Tan bien se hace esto que en toda la película hay dos personajes blancos nada más, Andy SerkisMartin Freeman, todos los demás son negros, ya era hora.

Estéticamente la película nos traslada directamente a un escenario exótico, para nosotros, el de la África de Wakanda, una país que entremezcla con gran atractivo la modernidad absoluta, la tecnología y la tradición más arraigada en forma de vestuario, rituales, arquitectura, colores, paisajes, etc. Esta mezcla, que bien podría haber resultado fallida, supone uno de los puntos más fuertes de ‘Black Panther’, nos creemos completamente que este país existe, que es así y nos sumergimos en su mundo.

Black Panther

La elección de los actores es sobresaliente. Todos ellos están bien, creíbles y se nota mucho que saben lo importante que va a ser esta película para mucha gente. Desde el protagonista Chadwick Boseman, que cede mucho protagonismo en favor de un reparto lleno de personajes más carismáticos que el suyo, al villano Michael B. Jordan, probablemente la mejor interpretación de toda la película y uno de los mejores villanos de Marvel en mucho tiempo. No nos podemos olvidar del nominado al ÓscarDaniel Kaluuya, y el siempre eficaz Forest Whitaker.

Pero si por algo destaca, para bien, ‘Black Panther’ es en sus personajes femeninos, increíbles los trabajos que realizan Lupita Nyong’oAngela BassettDanai Gurira, entre otras. Si bien todavía no han protagonizado una película de Marvel, por fin la mujer deja de ser mera comparsa y pasa a adquirir un rol mucho más importante, que ya iba siendo hora.

Black Panther

En definitiva, Marvel se saca de la manga su película más reivindicativa olvidándose de mojigaterías y perdiendo el miedo a llevar a la pantalla una película que lleva la política como eje central. Importante paso adelante para los blockbusters de superhéroes con la primera película protagonizada por un elenco prácticamente afroamericano.

Y como último apunte. Tan en sintonía con la actualidad está ‘Black Panther’ que una de sus líneas de diálogo es tan poco sutil como: “Los sabios construyen puentes, mientras que los necios construyen muros” (The wise build bridges while the foolish build walls). A buen entendedor.

Lo mejor: La valentía que tiene el guion, que no deja de ser de Marvel, para afrontar problemáticas como el racismo, la xenofobia, la cooperación internacional, el papel de la mujer, la presencia de países “pobres” en la política internacional, etc. Es la película más oscura de Marvel.

Lo peor: No deja de ser una película palomitera y de Marvel.

Black Panther

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‘La forma del agua’, poesía y belleza visual
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Asier Manrique | 15-02-2018 | 07:26| 0

LA FORMA DEL AGUA

Título original: The Shape of Water

Año: 2017

Duración: 119 minutos

País: Estados Unidos

DirecciónGuillermo del Toro

GuionGuillermo del Toro, Vanessa Taylor

MúsicaAlexandre Desplat

FotografíaDan Laustsen

RepartoSally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins,Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly,Dru Viergever, Maxine Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day y Dave Reachill

ProductoraBull Productions / Fox Searchlight

Género: Fantástico / Drama / Romance / Thriller

Elisa es una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, donde se enamorará de un hombre anfibio que se encuentra ahí recluido. (FilmAffinity)

Penúltimo de las películas nominadas al Óscar a la mejor película que traigo a este espacio.  ‘La forma del agua’ tiene el privilegio, o la responsabilidad, de partir con el mayor número de nominaciones para la madrugada, en España, del 4 de marzo, un total de 13. Así que, vamos directamente al asunto porque hay mucha tela que cortar.

Creo que se puede repetir un caso similar al de Handia en los Goya, pero a la americana. ‘La forma del agua’ relega al aspecto visual y técnico todo su poder narrativo. Es una película que apetece ver más por su envoltorio que por su contenido. Y esto no es por un tema de género, porque soy consumidor de cine de ciencia ficción, pero sí es porque puestos a pensar más detenidamente no deja de ser una película bonita más.

De acuerdo que Guillermo Del Toro nos ofrece una banda sonora que se sale de los cánones del género, una estética que puede recordar a mi odiada ‘Amelie’ o un argumento que podría resumirse en La Bella y la Bestia pasados por agua. Pero a pesar de todo ello, no deja de ser una película correcta más. Entiendo su gran número de nominaciones porque la música está bien, los efectos visuales están bien, el maquillaje está bien, el vestuario está bien, la fotografía está bien… pero creo que la categoría de mejor película le queda un pelín lejos.

Pienso, y quizá es aventurarme demasiado, que el 4 de marzo, 5 de marzo ya por aquí, ‘La forma del agua’ se convertirá en la gran derrotada de los Óscars. Y lo creo porque se me ha hecho tremendamente aburrida. La historia en ningún momento consigue convencerme de estar ante algo original. De acuerdo, es la historia de una chica muda que se enamora de un ser de las aguas que está siendo empleado como sujeto científico por las autoridades americanas. Como película, podemos cambiar el ser de las aguas por cualquier tipo de personaje con cualidades peculiares o que se sale de la norma.

Si a eso unimos que las dos horas de metraje son excesivas, sí, lo son, tenemos el cóctel perfecto. Otras películas de la carrera hacia los Óscars tampoco son cortas (Call Me By Your NameEl hilo invisibleDunkerque o El instante más oscuro), pero todas ellas justifican su extensión en una historia que, con mayor o menor acierto, consigue interesar de principio a fin. El nivel de interés que despierta en mí ‘La forma del agua’ es bastante bajito, porque desde el principio sé cómo va a terminar. No hay ningún momento que diga, “oh, vaya, qué sorpresa”.

Reconozco, no obstante, el prodigio técnico que supone la cinta. Aprovecha el juego de luz y agua, presente en todas y cada una de las escenas, para crear un disfrute visual interesantísimo. Por este mismo motivo, pienso que su nominación en categorías técnicas está más que justificada. Lo mismo ocurre con el diseño de vestuario, peluquería y maquillaje, banda sonora, etc. La película sobresale por todos aquellos elementos que han tomado parte en su construcción, pero no así en su resultado final.

El ser este (Doug Jones) no da miedo, y despierta la ternura justita. Los personajes de Michael ShannonOctavia SpencerRichard JenkinsMichael Stuhlbarg pecan de arquetípicos y cuya evolución a lo largo de la película es más bien nula. Todos ellos sirven de meras comparsas, y mira que es pena, porque vaya nombres, para una Sally Hawkins que se vuelve la reina de la función sin decir una sola palabra. Es, seguramente, el único personaje que nos despierta cierta simpatía y con la que podemos llegar a conectar. Queremos que ella termine bien, y la acompañamos en ese viaje.

Para finalizar, ‘La forma del agua’ es la película más poética de esta carrera hacia los Óscars. Desde el título, los consejos diarios que lee Elisa, la composición visual, la utilización del agua como elemento sanador y como fuente de vida, todo constituye un ejercicio de poesía cinematográfica realmente potente. Es, seguramente, su mayor virtud, ya que a pesar de ser una película cuya historia interesa lo justito, consigue convencernos por las reflexiones que nos deja.

Lo mejor: Su poesía y construcción visual es prodigiosa.

Lo peor: Es aburrida y su historia de personajes interesa lo justito.

7

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‘The Florida Project’, cotidiana y desestructurada al mismo tiempo
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Asier Manrique | 13-02-2018 | 07:16| 0

THE FLORIDA PROJECT

Título original: The Florida Project

Año: 2017

Duración: 115 minutos

País: Estados Unidos

DirecciónSean Baker

GuionSean Baker y Chris Bergoch

FotografíaAlexis Zabé

RepartoWillem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder,Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian,Lauren O’Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan,Andrew Romano, Samantha Parisi y Gary B. Gross

ProductoraCre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24

Género: Drama

Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un pequeño motel muy próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean sufren aún los efectos de la crisis. (FilmAffinity)

‘The Florida Project’ comenzó como una de las grandes favoritas para la temporada de premios, pero al final ha terminado como una película nominada solo a un Globo de Oro y a un Óscar: al mejor actor de reparto para Willem Dafoe. No seré yo quien reivindique que ‘The Florida Project’ esté nominado a mejor película, pero sí creo que merecía alguna que otra nominación más.

La historia de la película cuenta el día a día de una madre y su hija que viven en un motel de carretera de color violeta en un caluroso verano de Florida. La niña (Brooklynn Prince) juega, corre, come, habla… hace todo lo que las niñas de su edad hacen, con la diferencia de vivir en un cuchitril y verse influida por una madre que ejerce la prostitución y malvive robando y vendiendo perfume en la entrada de un hotel cercano.

La película se sostiene principalmente en esa cotidianidad de tres familias desestructuradas, y Willem Dafoe. Está la niña protagonista, una sorprendente Brooklynn Prince, y su madre que ejerce la prostitución. Está el amigo de la niña que vive con su madre que malvive con un mal sueldo, pero que espera poder mejorar su situación mientras tiene que soportar la gente mediocre que la rodea. Y está la abuela de la tercera niña en discordia que tiene que cuidar a las hijas de su hija que ni está ni se la espera.

Dentro de esta desestructura, que va ganando peso poco a poco y explota en un final que es un mazazo tras otro, disfrutamos de las escenas simpáticas como la de la piscina, cuando van a comprar helado o cuando escupen a un coche. Todo esto se ve truncado cuando la madre de Prince deja de tener relación con la madre del amigo de su hijo. A partir de aquí el mundo que ha construido con papel de fumar va cayendo en un pozo profundo que ya no se puede sostener sobre nada. El espectador desciende a las profundidades junto a la película.

El problema de ‘The Florida Project’ reside en su excesiva duración. La película hubiese funcionado perfectamente como un corto, donde se condense de manera mucho más intensa la parte inicial luminosa y el final oscuro. Este asunto no es baladí, y puede haber sido el gran lastre de la cinta para no haber acumulado más nominaciones. La primera hora es muy disfrutable, hay 40 minutos en medio que te gustaría ir al baño, a por algo para picar, etc. y finalmente están los 20 últimos minutos que son una montaña rusa constante.

Willem Dafoe sorprende por salirse de su habitual papel de malo malísimo. De hecho, junto a los niños, es el único personaje que despierta simpatía en el espectador. Se ve en él ese lado que se identifica con la madre de la protagonista. Se trata de un personaje protector, casi el único sustento que le queda a la pareja protagonista cuando el castillo de naipes se desmorona. Lo tiene difícil para conseguir el Óscar, pero veremos si se le reconoce de una vez, no estaría mal tampoco.

No voy a comentar el final de la película porque me parece ridículamente absurdo. La licencia que se toma, cambiando de golpe y porrazo todo el tono que nos ha ido construyendo, me sacó completamente de la película. Deconstruyes el mejor momento de toda la cinta para finalmente no aportar nada.

Lo mejor: La primera hora y los 20 minutos finales.

Lo peor: Es larga como un día sin pan, le sobran minutos y minutos.

7

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‘Tom en la granja’, oscuro y sorprendente thriller
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Asier Manrique | 08-02-2018 | 12:15| 0

Tom en la granja | Tom à la ferme | Tom at the FarmTOM EN LA GRANJA

Título original: Tom à la ferme / Tom at the Farm

Año: 2013

Duración: 105 minutos

País: Canadá

DirecciónXavier Dolan

GuionXavier Dolan (Basado en la obra de Michel Marc Bouchard)

MúsicaGabriel Yared

FotografíaAndré Turpin

RepartoXavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal, Lise Roy, Evelyne Brochu, Manuel Tadros,Jacques Lavallée, Anne Caron, Olivier Morin, Johanne Leveillée y Mathieu Roy

ProductoraMK2 Productions

Género: Drama / Thriller

Tom, un joven publicitario, asiste al funeral de su novio, que ha muerto en un accidente de tráfico. En una granja aislada se encuentra por primera vez con la madre de su amado. Ella no lo conoce ni sabe qué clase de relación mantuvo con su hijo. Tom descubrirá entonces que su novio había estado enamorado de una mujer llamada Sarah. (FilmAffinity)

Ya he traído en varias ocasiones a este espacio películas de ese enfant terrible del cine canadiense que es Xavier DolanYo maté a mi madreMommy y Solo el fin del mundo son tres ejemplos de la ya extensa trayectoria como director de este jovencísimo artista. Tras dirigir su ópera prima y dos películas más, dio un cambio de rumbo a su tono y trayectoria adaptando la obra teatral de Michel Marc Bouchard, algo que volvería a hacer con Solo el fin del mundo.

Tom en la granja | Tom à la ferme | Tom at the Farm

Al contrario que en sus primeras obras, aquí la oscuridad se hace presente en toda la cinta. Pero a pesar de esta nueva pátina que aplica a su cine, Dolan ahonda más en el mundo de la estética, aspecto que le encanta como podemos observar en todas y cada una de sus obras. Las proporciones de la pantalla son uno de sus fetiches, y aquí aprovecha la técnica para comprimir y ensanchar la pantalla, del mismo modo que hará también en Mommy.

El cambio importante de tono, tras una primera película de conflicto entre madre e hijo, el poliamor en la segunda y la transexualidad en la tercera, fue recibido con opiniones de todo tipo. Xavier Dolan es de estos cineastas que dividen a la crítica siempre. Con contadas excepciones como Mommy y Yo maté a mi madre, su cine polariza a los críticos entre los que se rinden a los pies de este Almodóvar quebequés y los que no soportan sus conversaciones subidas de tono, su “narcisismo”, sus momentos videocliperos, etc.

Tom en la granja | Tom à la ferme | Tom at the Farm

Protagonizada, dirigida, escrita y un largo etcétera más por él mismo, Dolan, sirvió en bandeja a sus haters los argumentos para darle hasta en el carné de identidad. Él es Tom, un chico que acude a una granja donde viven la madre y hermano de su novio recién fallecido. Tom descubrirá que la familia del muchacho no lo espera a él, esperan a la novia de él. Pronto se verá inmerso en una espiral de mentiras, autoengaño, violencia y oscuridad. Dolan prefiere ir soltando pildoritas que nos insinúan lo que pasaba con su novio y con el hermano de este. Para colmo, aparecerá en escena la novia de su novio para terminar de liar la manta.

‘Tom en la granja’ es una historia de sumisión y de cerrarse los ojos ante la realidad. La madre ignora cómo son sus hijos, el hermano quiere que todos a su alrededor creen una realidad paralela que oculte su violenta naturaleza y Tom se niega a abandonar el recuerdo de su pareja y a reconocer que vive amenazado por el hermano de este. Todo esto en un entorno lúgubre, húmedo y triste.

Tom en la granja | Tom à la ferme | Tom at the Farm

La cinta es irregular, ya que tras un arranque potente, pasamos a pasajes más flojos que no hacen más que estirar la cinta innecesariamente. Podría haber eliminado 15-20 minutos de la película y hubiese quedado todo más compacto, aunque claro, después del exceso de ‘Laurence Anyways’ la extensión de ‘Tom en la granja’ no se hace larga. A pesar de ello, desde la conversación que mantienen Xavier Dolan y Manuel Tadros (padre e hijo en la vida real) en un bar, la cinta vuelve a resurgir hasta un final sencillo, pero potente, con golpe de realidad incluido.

En cuanto a las actuaciones, hay que destacar las de Pierre-Yves Cardinal, el hermano, y Lise Roy, la madre. Xavier Dolan hace una actuación correcta, sin más, es de agradecer que desde entonces se haya centrado casi de lleno en lo que mejor se le da, la dirección de películas.

Tom en la granja | Tom à la ferme | Tom at the Farm

Lo mejor: Es una película de Xavier Dolan, si has visto otras de él y te gustaron, te gustará esta, y si no has visto ninguna es una buena ocasión para empezar con sus películas.

Lo peor: Empieza y termina fuerte, pero la parte central peca de cierta irregularidad.

Tom en la granja | Tom à la ferme | Tom at the Farm

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‘El hilo invisible’, frialdad contagiosa
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Asier Manrique | 06-02-2018 | 08:47| 0

EL HILO INVISIBLE

Título original: Phantom Thread

Año: 2017

Duración: 130 minutos

País: Estados Unidos

DirecciónPaul Thomas Anderson

GuionPaul Thomas Anderson

MúsicaJonny Greenwood

FotografíaPaul Thomas Anderson

RepartoDaniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Richard Graham, Bern Collaco,Jane Perry, Camilla Rutherford, Pip Phillips, Dave Simon y Ingrid Sophie Schram

ProductoraAnnapurna Pictures / Focus Features / Ghoulardi Film Company. Distribuida por Universal Pictures

Género: Drama / Romance

En el Londres de la posguerra, en 1950, el famoso modisto Reynolds Woodcock y su hermana Cyril están a la cabeza de la moda británica, vistiendo a la realeza, a estrellas de cine y a toda mujer elegante de la época. Un día, el soltero Reynolds encuentra a Alma, una joven que pronto se convierte en su musa y amante. Y su vida, hasta entonces cuidadosamente controlada y planificada, se ve alterada por la irrupción del amor. (FilmAffinity)

Qué curiosa esta profesión, la de crítico de cine. Tenemos que ver películas, documentales, cortos… y posicionarnos de una u otra manera sobre ellas. En ocasiones las películas nos aburren, en otras nos apasionan, en unas sabemos inmediatamente lo que decir y en otras no tenemos ni idea de qué decir después de haberla visto.

Este último caso me ha ocurrido con la última película de Daniel Day-Lewis, y nunca mejor dicho, porque ya ha anunciado que esta es su última incursión en el cine. Permitidme que lo ponga en duda, pero mientras se confirma lo contrario damos a Day-Lewis por jubilado de la actuación. ‘El hilo invisible’ es una película que me ha dejado con una sensación extraña, de ese tipo de sensaciones en las que no sabes muy bien si algo te ha gustado o no.

Como por esta profesión debo posicionarme lo haré de forma inversa a la habitual. Normalmente suelo saber claro cómo estructurar el post, qué temas tocar y las reflexiones que haré. Como en este caso no sé qué decir dejaré que mis dedos vayan fluyendo e iré reflexionando a medida que mi teclado vaya sacándome diferentes temas.

Digo de ‘El hilo invisible’ que visualmente es una película interesante. Es bella, está cuidada y se nota el esmero puesto tanto en fotografía, diseño de vestuario y una banda sonora que se mimetiza con la historia. Nos ofrece una experiencia visual y sonora interesante.

Actoralmente el trabajo de Daniel Day-Lewis es grandísimo. Una carta de despedida a la altura que, eso sí, no creo que le traiga el Óscar. Junto a él tenemos a Vicky Krieps que le da un contrapunto más que interesante.

Entonces ¿si te ha gustado todo esto qué le pasa a la película para que no sepas qué decir de ella? Pues la extrema frialdad de todo que me ha impedido ni empatizar con los personajes, ni interesarme por la película, ni la historia, ni nada. Es complicado que una película te deje más frío que esto. A pesar de sus virtudes, está todo rodado con una frialdad que la vuelve complicada.

La película se plantea como un amor enfermizo entre Day-LewisKrieps, pero en ningún caso esta retorcida relación, este juego enfermizo me contagian en absoluto. Me mantengo en un segundo plano, intentando entrar, pero sin conseguir penetrar dentro de la historia. Busco que me interese, que me capte, pero ni por esas. La frialdad de los personajes sí me contagia, y las únicas alegrías son los poquitos momentos realmente tenebrosos que plantea, que tampoco son muchos.

Concluyendo, mucho más rápido que la propia película, porque mira que se estira hasta decir basta, dejaré la puntuación en un 5 de 10. Asumo que está bien hecho y lo que aprecio en el aspecto técnico merece mucho la pena. Pero si sigo lo que me ha transmitido sería un suspenso. Entonces, poniendo todo en una balanza, el aprobado es justito.

5

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‘Tierra de Dios’, cine para los sentidos
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Asier Manrique | 01-02-2018 | 07:21| 0

God's Own Country | Tierra de DiosTIERRA DE DIOS

Título original: God’s Own Country

Año: 2017

Duración: 104 minutos

País: Reino Unido

DirecciónFrancis Lee

GuionFrancis Lee

MúsicaDustin O’Halloran y Adam Wiltzie

FotografíaJoshua James Richards

RepartoJosh O’Connor, Alec Secareanu, Gemma Jones, Ian Hart, Harry Lister Smith,Melanie Kilburn, Liam Thomas, Patsy Ferran, Moey Hassan, Naveed Choudhry,Sarah White, John McCrea, Alexander Suvandjiev y Stefan Dermendjiev

ProductoraInflammable Films / Magic Bear Productions / Met Film Production / Shudder Films / British Film Institute / Creative England. Distribuida por Orion Pictures

Género: Drama / Romance

Johnny Saxby es un joven granjero de Yorkshire que intenta evadirse de sus problemas con el alcohol y el sexo. Cuando llega al pueblo durante la primavera un inmigrante rumano para trabajar en la cría de ovejas, su visión de la vida cambiará de forma radical. (FilmAffinity)

Tenía ganas de ver y valorar ‘Tierra de Dios’, una de esas películas que van creciendo con el boca a boca y te terminan llevando a la sala de cine. En este caso, y por el limitadísimo pase por salas de cine que tuvo en España, he tenido que esperar para poder verla, qué se le va a hacer.

God's Own Country | Tierra de Dios

‘Tierra de Dios’ es la ópera prima de su director, Francis Lee. Después de años trabajando como actor en Londres, vuelve a su tierra natal, Yorkshire, y nos presenta un drama donde la vida rural, la homosexualidad, los prejuicios y el racismo cobran vida entre las montañas del condado de York. Hay quien la compara con ‘Brokeback Mountain’, yo también me he acordado de aquella, pero esta tiene otros matices que la vuelven igualmente interesante.

Muy parca en palabras, ‘Tierra de Dios’ es una película de gestos y miradas. La cinta se sostiene sobre cuatro personajes de campo, gente de pocas palabras, duros en el trato y que llevan el esfuerzo y el trabajo hasta el límite. En ese entorno crece el personaje principal, interpretado por Josh O’Connor. Se trata del hijo de un granjero enfermo (Ian Hart) después de sufrir un episodio cardiovascular y que se tiene que hacer cargo de la explotación ganadera. Ha sido educado para ser un hombre rudo y las carencias afectivas que ha sufrido durante toda su vida le llevan a reprimirse en su modo de expresarse y sentir.

God's Own Country | Tierra de Dios

Todo cambia cuando un trabajador rumano (Alec Secareanu) llega a la granja, en principio, para ayudarles durante la época en la que las ovejas están teniendo a sus crías. Es este personaje el que trastoca todo en Johnny, le pone contra las cuerdas y le da de probar de su propia medicina. Ambos encontrarán en el otro la mitad que necesitan para completarse: uno para empezar a romper su coraza y el otro un ancla a un lugar al que por fin pueda llamar hogar.

‘Tierra de Dios’ se diferencia de otras películas de temática LGTB, vaya etiqueta más estúpida, en que la homofobia del entorno no juega un papel fundamental. En este caso ganan más peso el miedo al rechazo y la homofobia interior del personaje de Johnny como conflictos dramáticos en la cinta. Francis Lee construye un entorno familiar donde no se le reprocha al protagonista su orientación sexual, distanciándose así de la recurrente ‘Brokeback Mountain. En el pueblo saben que Johnny es gay, su padre y su abuela (Gemma Jones) aceptan su relación con el personaje de Secareanu porque ven que este le hace bien.

God's Own Country | Tierra de Dios

Fantásticamente interpretada, el espectador va poco a poco asistiendo a esas barreras autoimpuestas por los personajes que se van rompiendo. La expresión facial de sus actores, especialmente de Josh O’Connor, nos va dando toda la información que omite con palabras, es por esto que ‘Tierra de Dios’ es una experiencia cinematográfica tremendamente rica, porque huye de la corriente actual que inunda las películas de diálogos explicativos de todo.

Se le podría achacar no ser más pasional en la construcción de la relación entre los dos chicos; no hubiese tenido sentido si atendemos al tipo de personajes que son y las carencias que arrastran. Se le puede achacar cierto exceso en algunas imágenes, como partos de animales, pieles que se cortan, etc.; pero dota a la película de una total honestidad con el entorno y sus gentes.

God's Own Country | Tierra de Dios

Ópera prima más que solvente y una historia que viene a actualizar, en cierta manera, la historia de ‘Brokeback Mountain’. Eso sí, me quedo más con este filme británico que con la historia de Jake GyllenhaalHeath Ledger. Aquí no hay miedo a mostrar nada, la honestidad inunda cada plano y permite así construir una cinta, independientemente de si al espectador le gusta o no, que no trata de engañar en ningún momento. ¿Podría ser más grande y mejor? Sí, pero podría ser igualmente peor.

Lo mejor: Todo respira honestidad.

Lo peor: Que la comparación con ‘Brokeback Mountain’, por temática, planteamiento, tipo de historia, etc. es inevitable.

God's Own Country | Tierra de Dios

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‘El corredor del laberinto: La cura mortal’, final digno para una saga que ha dado tumbos
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Asier Manrique | 30-01-2018 | 07:37| 0

El corredor del laberinto: La cura mortalEL CORREDOR DEL LABERINTO: LA CURA MORTAL

Título original: Maze Runner: The Death Cure

Año: 2018

Duración: 142 minutos

País: Estados Unidos

DirecciónWes Ball

GuionT.S. Nowlin (Novela: James Dashner)

MúsicaJohn Paesano

FotografíaGyula Pados

RepartoDylan O’Brien, Kaya Scodelario, Will Poulter, Katherine McNamara, Thomas Brodie-Sangster,Nathalie Emmanuel, Barry Pepper, Giancarlo Esposito, Rosa Salazar,Dexter Darden, Walton Goggins y Jacob Lofland

ProductoraGotham Group / Temple Hill / 20th Century-Fox Film Corporation

Género: Ciencia ficción / Acción

Thomas no puede confiar en CRUEL. La organización le borró sus recuerdos y lo encerró en el Laberinto. Luego lo dejó al borde de la muerte, en el Desierto. Y lo separaron de los Habitantes, sus únicos amigo. Ahora CRUEL asegura que el tiempo de las mentiras ha terminado. Con toda la información que reunió gracias a las Pruebas, está en condiciones de avanzar en la cura de la Llamarada. Pero Thomas debe pasar por la Prueba Final. ¿Logrará sobrevivir al procedimiento? ¿Será cierto que se terminaron las mentiras? Quizá la verdad sea más terrible aún… una solución letal, sin retorno. (FilmAffinity)

Tercera y última entrega de la franquicia El corredor del laberinto. Similar a la exitosa Los juegos del hambreDivergente, la historia en el libro se dividía en tres partes, pero, al contrario que las otras dos sagas, esta sí ha respetado la extensión original. Es uno de los pocos aciertos que han tenido tras una primera entrega más que interesante y una que hizo aguas.

El corredor del laberinto: La cura mortal

En esta última parte las cosas se ponen más en orden y nos encontramos con una historia mejor armada, con una mejor realización y una mejor gestión del ritmo. El guion sigue siendo muy endeble y la premisa complicada de defender, pero no por eso es menos disfrutable.

En esta ocasión Wes Ball, director de las tres entregas, ha optado por darle más peso a la acción sobre el resto de la trama, una decisión más que acertada visto el resultado final. La película corrige los errores de Las pruebas para regalarnos dos horas y veinte minutos de acción casi sin tiempo para tomar aire. Estéticamente mejora la cinta y esto también la vuelve más disfrutable.

El corredor del laberinto: La cura mortal

Es una película especialmente hecha para los fans de la saga literaria y de películas. Apenas se explican los hechos ocurridos en las dos anteriores películas, por lo que si no has seguido esta franquicia será complicado que te puedas situar en el punto de la historia. Decisión discutible, porque dificulta que espectadores ajenos se sumen en este punto y condicionas todo a los seguidores que has tenido anteriormente.

Dylan O’Brien carga sobre sus hombros con todo el peso de la película y se desenvuelve con acierto. El actor al que conocimos en ‘Teen Wolf’ ha cumplido con su labor de héroe de acción. Un accidente gravísimo que sufrió durante el rodaje de una escena de la película obligó a retrasar el rodaje y estreno de la película un año. Recuperado ha retomado un rol donde se le ve más cómodo que en la anterior parte.

El corredor del laberinto: La cura mortal

Junto a él tenemos de nuevo a un Thomas Brodie-Sangster que funciona de maravilla como secundario. También vemos a SPOILER Will Poulter, que regresa a la franquicia para cerrar un capítulo que quedó en el limbo en la primera parte FIN DEL SPOILER.

Película de acción más que correcta, con buenas actuaciones y una estética fantástica, la mejor de la franquicia. El guion sigue siendo endeble, pobre y poco agradecido, pero son los actores y el cineasta los que levantan una función que habría hecho aguas de haber estado en manos de los autores de Divergente. Final digno para una saga que podría haber naufragado de no haber corregido los errores de la segunda parte.

El corredor del laberinto: La cura mortal

Lo mejor: El esfuerzo de todos los actores y el director en levantar una película que podría haber quedado muy mal.

Lo peor: El guion es muy poco agradecido y necesita de muchas capas de envoltorio en forma de efectos especiales para poder salir a flote.

El corredor del laberinto: La cura mortal

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‘120 pulsaciones por minuto’, baño de realidad sin maquillaje
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Asier Manrique | 25-01-2018 | 07:33| 0

120 PULSACIONES POR MINUTO

Título original: 120 battements par minute

Año: 2017

Duración: 143 minutos

País: Francia

DirecciónRobin Campillo

GuionRobin Campillo y Philippe Mangeot

FotografíaJeanne Lapoirie

RepartoNahuel Pérez Biscayart, Adèle Haenel, Yves Heck, Arnaud Valois,Emmanuel Ménard, Antoine Reinartz y François Rabette

ProductoraLes Films de Pierre

Género: Drama

París, principios de los años 90. Un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan, se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean, que gasta su último aliento en la lucha. (FilmAffinity)

Premiada con la Palma de Oro en Cannes y numerosos premios por todo el mundo, ‘120 pulsaciones por minuto’ era una de estas películas que estaba esperando con muchas ganas. La película narra la lucha que a principios de los 90 llevan desde el grupo Act Up para conseguir ayuda institucional para los enfermos de sida.

La película llega en un momento donde el sida ha dejado de ser una enfermedad que mata en occidente, aunque en un punto donde los contagios vuelven a subir. Se reivindica, por tanto, como una necesaria llamada de atención para que nuevas generaciones, que no vivieron el momento más duro del sida, vuelan a tomar conciencia sobre una enfermedad que ha costado la vida de decenas de millones de personas en todo el mundo. Un toque de atención, para el que Robin Campillo no ha querido poner filtros. Película directa y clara, sin dobleces.

Bien interpretada, ‘120 pulsaciones por minuto’ es la reivindicación de un prácticamente desconocido Nahuel Pérez Biscayart como actor a tener muy en cuenta. El argentino, que ha aprendido francés a una velocidad de vértigo, hace suyo el personaje de Sean. A pesar de ser una película coral, el suyo es el papel más agraciado, el que permite mayor lucimiento, y no desaprovecha ni un minuto en pantalla. Interesante también el trabajo de Adèle HaenelArnaud Valois.

El principal acierto de la cinta es en retratar con total veracidad lo que ocurría, cómo se vivía y cómo se sufría la enfermedad. No escatima en escenas explícitas, que si bien pueden echar atrás al sector más puritano de los espectadores, el espectador llegará a agradecer la honestidad con la que está filmada. No es una película porno, pero tampoco hay que ocultar lo que pasaba y cómo pasaba, para que nos entendamos.

Si hay algo que quitaría a la película son las repetidas escenas en discotecas. Entiendo que era parte del día a día, pero alargan innecesariamente la historia. Así mismo, se podría reducir en unos 20-30 minutos la duración total y habría quedado una película más compacta y llevadera. 143 minutos, aunque llenos de buen cine, se hacen pesados.

Cine reivindicativo, bien trabajado y comprometido. Cine europeo por su atrevimiento y su crudeza. No escatima en detalles y en veracidad, porque no hay nada que escatimar. Importantísimo grito de denuncia ante las atrocidades que se cometieron con millones de personas que fueron abandonadas a su suerte, olvidados por gobiernos y farmacéuticas. Esta lucha es la que ha permitido que hoy la situación sea muy diferente.

Lo mejor: Es claro y directo.

Lo peor: Le sobran 20-30 minutos que hubiesen aligerado el conjunto y condensado mejor el mensaje.

8

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‘Los archivos del Pentágono’: “La prensa está para servir a los gobernados y no a los gobernantes”
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Asier Manrique | 23-01-2018 | 08:17| 0

The Post - Los archivos del PentágonoLOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO

Título original: The Post

Año: 2017

Duración: 116 minutos

País: Estados Unidos

DirecciónSteven Spielberg

GuionLiz Hannah y Josh Singer

MúsicaJohn Williams

FotografíaJanusz Kaminski

RepartoTom Hanks, Meryl Streep, Jesse Plemons, Bob Odenkirk, Matthew Rhys,Michael Stuhlbarg, Sarah Paulson, Alison Brie, Carrie Coon, David Cross,Bruce Greenwood, Tracy Letts, Bradley Whitford y Zack Woods

ProductoraAmblin Entertainment / DreamWorks SKG / Pascal Pictures / Participant Media. Distribuida por 20th Century-Fox Film Corporation

Género: Drama

En junio de 1971, los principales periódicos de EE.UU., entre los que se encontraban The New York Times y The Washington Post, tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por parte del gobierno, que había durado cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidenses. En ese momento, Katherine Graham, primera mujer editora del Post, y el director Ben Bradlee intentaba relanzar un periódico en decadencia. Juntos decidieron tomar la audaz decisión de apoyar al The New York Times y luchar contra el intento de la Administración Nixon de restringir la primera enmienda… Historia basada en los documentos del Post que recogían información clasificada sobre la Guerra de Vietnam. Su publicación generó un enorme debate sobre la libertad de expresión y acabó en una dura batalla legal ante el Tribunal Supremo. (FilmAffinity)

The Post - Los archivos del Pentágono

En los últimos años hemos tenido varios ejemplos de películas que reivindican el papel crucial que juega la prensa: tenemos ahí la irregular La verdad o la oscarizada SpotlightSpielberg utiliza ‘Los archivos del Pentágono’ para lanzarnos potentes mensajes sobre cómo debería ser el papel de la prensa, de la política o de las mujeres en la sociedad. Y lo hace tan bien.

Empezaré por lo malo, que terminaré antes, y luego ya pasaré a todo lo bueno, que es mucho. La única pega que se me ocurre es el ritmo de la película. Es lenta, y no es accesible para todo el público, especialmente para los que no están acostumbrados a un cine con muy poca acción y mucho diálogo; diálogos no del tipo de Marvel.

The Post - Los archivos del Pentágono

Y ahora lo bueno. La película sirve como reivindicación continua de cosas, pero Spielberg, que es un cineasta hábil, lo hace de tal modo que no todo necesita verbalizarlo, aunque muchas cosas las verbaliza, innecesariamente. Especialmente potente es el mensaje feminista que lleva implícita la película. El papel de Meryl Streep saca a relucir el complicadísimo rol que tienen las mujeres en la sociedad, y mucho más cuando se tienen que codear en ciertas esferas de poder donde su participación está mal vista. El golpe en la mesa que Streep da en un momento es empoderador, alienta a revelarse contra el sistema establecido, seguir su propio camino y decir: “Aquí estamos nosotras”. Las lágrimas de Streep en ese preciso momento resumen lo duro que es derribar barreras para todas las personas que no son hombres, blancos, heterosexuales y de países occidentales, pero también son lágrimas de felicidad.

The Post - Los archivos del Pentágono

Spielberg tiene claro el papel que debe jugar la prensa en la sociedad. Insisto en el debe, porque no siempre lo cumplimos desde los medios. El director de El puente de los espías refleja en el personaje de Tom Hanks sus reflexiones. Es Spielberg hablándonos de que la prensa debe ser valiente, deberse a sus lectores y no a poderes políticos o empresariales. Cuando la prensa se dedica a hacer bien su trabajo los resultados son ejemplares, cuando nos olvidamos de posibles amenazas e influencias de arriba, entonces es cuando salen a relucir los verdaderos éxitos del periodismo, los que hacen temblar los cimientos. Es importantísimo el mensaje que da sobre la prensa, pero se condensa en la reflexión que hace el Supremo estadounidense, y no un periodista, el verdadero mensaje de la película: “La prensa está para servir a los gobernados y no a los gobernantes”. Poco más que añadir.

The Post - Los archivos del Pentágono

El primer punto y el segundo, feminismo y periodismo, sirve para sacar a relucir los colores de la política, tercera pata de la película. Aunque es el que menos se ve, ya que se habla de él pero no se muestra, es la más velada de todas. Las pocas escenas en las que vemos a ese presidente, de infausto recuerdo, Nixon, sirven para que Spielberg se deje de sutilezas y vaya al grano. Es el lado más duro de todos. Los políticos malos salen a relucir sin dobleces, son malos, nefastos para el futuro del país y harán cosas malas. No hay lugar para intentar mostrarnos los grises, en esta película la política se tiñe de un negro que asusta. Pero, en el fondo, ¿no pensamos todos un poco como lo hace Spielberg?

Gran película, bien escrita, bien actuada (aunque Tom Hanks roce la sobreactuación) y bien filmada. Vuelve a sacar al Spielberg comprometido que nos trajo ‘La lista de Schlinder’Salvar al Soldado Ryan o, más recientemente, El puente de los espías, el Spielberg menos espectacular pero más eficaz. No le auguro un futuro con muchos premios, pero sí una presencia necesaria en la carrera.

The Post - Los archivos del Pentágono

Lo mejor: Lo claro que Spielberg tiene cuál debería ser el papel de la mujer, de la prensa y de la política en la sociedad.

Lo peor: El ritmo se puede hacer pesado y Tom Hanks roza la sobreactuación.

The Post - Los archivos del Pentágono

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‘El instante más oscuro’, la importancia de un gran actor como Gary Oldman
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Asier Manrique | 18-01-2018 | 07:31| 0

El instante más oscuroEL INSTANTE MÁS OSCURO

Título original: Darkest Hour

Año: 2017

Duración: 125 minutos

País: Reino Unido

DirecciónJoe Wright

GuionAnthony McCarten

MúsicaDario Marianelli

FotografíaBruno Delbonnel

RepartoGary Oldman, Ben Mendelsohn, Kristin Scott Thomas, Lily James, Stephen Dillane,Richard Lumsden, Philip Martin Brown, Brian Pettifer, Tom Ashley, Jordan Waller,David Olawale Ayinde, Michael Bott, Danny Stewart y John Locke

ProductoraWorking Title Films

Género: Bélico / Drama

Drama ambientado en 1940, cuando Winston Churchill se convierte en primer ministro británico en un momento realmente crucial de la Segunda Guerra Mundial, pues los nazis avanzan imparables conquistando prácticamente la totalidad del continente europeo y amenzando con una invasión a Inglaterra. Churchill deberá entonces explorar la posibilidad de un tratado de paz con Alemania, o ser fiel a sus ideales y luchar por la liberación de Europa. (FilmAffinity)

Hay películas que son grandes tengan los actores que tengan. Hay películas grandes que se hunden por una mala elección de reparto. Pero también ocurre al contrario, cuando una película mala o normal pasa a ser buena por el trabajo del reparto, o de un actor en concreto.

El instante más oscuro

Hablar de Gary Oldman es hablar de uno de los mejores actores de la historia. Podría mencionar películas como El quinto elemento‘Drácula’‘El topo’, la trilogía de ‘El Caballero Oscuro’‘Harry Potter’ y un larguísimo etcétera. Tenerle en una película es siempre garantía de éxito, ya que es capaz de sacar adelante prácticamente cualquier papel que se le ponga delante.

Irreconocible como Winston Churchill, Oldman se convierte en el único aliciente de un biopic que repite paso por paso los esquemas de los biopics actuales. Olvidadas ya las películas biográficas que narran toda la vida del personaje en cuestión, últimamente tenemos cierta saturación de películas biográficas que toman un momento muy concreto de la historia y la llevan al cine. En este caso, tenemos los primeros instantes de Churchill como Primer Ministro, en pleno estallido de la Segunda Guerra Mundial y con los alemanes llamando a sus puertas.

El instante más oscuro

El propio Churchill es, por méritos propios, uno de los personajes históricos más interesantes para poder llevar al cine. Guarda ese aire de personaje clave, que lo fue, cierto misterio, un lado peculiar que lo convierte en atractivo para la historia y un legado que ha dejado para la posteridad en forma de citas que políticos de todo el mundo repiten como loros.

En cuanto a la película cumple, pero rezuma un aire de pretenciosidad que juega en su contra. Todo el rato nos trata de convencer de que es un peliculón, una obra maestra, algo impresionante, y no es así. Es una película correcta, bien hecha y poco más. Ni sorprende, ni llama la atención, ni reinventa el cine, ni es apasionante. Es una película levantada por un actor en estado de gracia.

El instante más oscuro

Gary Oldman ya ha ganado el Globo de Oro por su trabajo, y se asoma a una temporada de premios que parece que le será muy provechoso. Se avecina hacia el Óscar que nunca ha recibido. Sí, Leonardo Dicaprio no era el único con una cuenta pendiente con la Academia. Su actuación aquí es enorme, tanto que se convierte en el único aliciente de toda la película. Nos deja con la boca abierta en cada escena. Muy probablemente haya creado el mejor Churchill de la historia del cine, y el mérito es únicamente suyo.

Lo mejorGary Oldman, que casi con toda seguridad conseguirá saldar su deuda pendiente con los Óscars.

Lo peor: La película trata de convencernos como espectadores que estamos ante una obra maestra, y va a ser que no.

El instante más oscuro

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